The Father (2020)
"En esos momentos te das cuenta de que puedes amar mucho a alguien, pero ese amor no es suficiente". Quien lo dice es el francés Florian Zeller, uno de los principales dramaturgos de nuestros días. Y se refiere a la experiencia de haber vivido, desde sus quince años, la progresión del Alzheimer en su abuela. De esa experiencia surge la obra de teatro Le Père El Padre estrenada en 2012 y premiada como la mejor de aquel año. Fue llevada a las tablas en todo el mundo y, ahora, el mismo Zeller dirige su adaptación cinematográfica junto a nada menos que Olivia Colman y Anthony Hopkins. Decidió rodarla en inglés y cambió el nombre del personaje a Anthony solo para conquistar al actor de 83 años. No se equivocó: en esa mezcla de violencia con vulnerabilidad parece que perdemos a alguien cercano por todas las veces que lo hemos visto en el cine. La película es una especie de Tenet en cuanto a su complejidad temporal, pero esta vez no por un capricho de Nolan, sino por mantener la coher
Druk (2020)
La investigación de un científico danés sostiene que todos sufrimos de un 0,05% de déficit de alcohol en nuestra sangre. Si procuramos compensarlo de manera controlada, escondiendo botellas aquí y allá, podremos ser mejores amigos, padres, esposos, profesionales... Esta es la hipótesis que cuatro profesores de un colegio danés quieren someter a experimentación con sus cuerpos. Pero, como es lógico, la última película de Thomas Vinterberg mejor película europea del año y ahora candidata a los Oscar no se queda en ese simple juego, en el que vemos todas las fases por las que pasa el sistema nervioso de los actores, especialmente de Mads Mikkelsen. No le interesa esa primera victoria efímera, cuando se hidratan los vínculos sociales o cuando desaparece el tedio de pareja. Lo que al cineasta le interesa, más allá del alcoholizado contexto que involucra a adultos y jóvenes, es ese sinsentido en el que están sumidas las vidas de los cuatro amigos protagonistas, que rondan los cuarenta años
Las niñas (2020)
En un contexto en el que todos quieren forzar su propia militancia en la creación ajena, en donde todos queremos colocar en cuello del otro nuestro propio pañuelo, las víctimas son obras delicadas como la primera película de Pilar Palomero. La cinta española más importante del 2020 cuatro Goyas refleja la vida de Celia, una niña-adolescente, en aquella edad en la que se comienza a descubrir capas nuevas en la realidad, esas que siempre traen vértigo y dolor. Sucede en un momento histórico concreto: aquellos primeros años noventa en los que convivían, por ejemplo, las primeras campañas publicitarias abiertas de preservativos, junto con la marginación a las madres solteras, todo a la sombra de las enseñanzas de las monjas del colegio. De hecho, la idea de la película surge cuando la directora-guionista lee en sus cuadernos de primaria los antiguos dictados de educación sexual que copiaba en clases de religión. La mirada de Palomero y la gran cámara de la boliviana Daniela Cajías, qu
Nomadland (2020)
Nomadland es otra perla rara de Chloé Zhao. Había visto The Rider (2017) por casualidad: esa melancólica película en la que el protagonista, un campeón de rodeo que tuvo un accidente y no puede volver al ruedo, es protagonizada por un campeón de rodeo que tuvo un accidente y no puede volver al ruedo. Ahora repite ese territorio de tregua entre lo real y lo ficticio. Nomadland narra la historia de una mujer que, habiendo perdido a su marido y a su pueblo tras el cierre de la única industria, se lanza a vivir en su propia furgoneta por las carreteras del oeste. Gran parte del personal de la película vivió cuatro meses en caravana grabando a Frances McDormand ser escoltada por un coro de personajes secundarios, no profesionales, que son nómadas. Zhao extrae la información de una investigación periodística en la que se muestra a esta comunidad, muchas veces obligada a vivir en esa condición llegar a la vejez sin una pensión o por no poder pagar ningún alquiler. La adaptación es brillante,
Nunca, casi nunca, a veces, siempre (2020)
Veo que mi pregunta no es exclusiva sino que se la hacen en varias entrevistas a Eliza Hittman, directora y guionista: ¿por qué en su película todos los hombres buscan abusar de las mujeres? El compañero de clase, el padrastro, el jefe en el trabajo, el tipo que se sube al metro, ese otro que conocen en el bus… Y la pregunta no surge por una reivindicación masculina, ni muchísimo menos, sino por razones estrictamente cinematográficas. Por razones de verosimilitud, que diría Aristóteles, sobre todo porque el gran valor de “Nunca, casi nunca, a veces, siempre” está en ese naturalismo con el que filma Hittman, que el jurado de Sundance llamó “neorrealismo”, en el que ni siquiera los primeros planos distraen sino que intensifican la exploración. No sirve la excusa de que lo que interesaba es la percepción de Autumn, la protagonista, porque la fuerza de la historia está afuera. La pregunta tampoco es desviarme del tema: la violencia de muchas miradas masculinas a la que está sometida es tal
On The Rocks (2020)
Por suerte llegó Sofía Coppola: si no es para salvarme, al menos sí para hacer menos fatigosa mi búsqueda de la mejor película del año pasado. Y ya es febrero. Coppola llegó con una de esas ligeras comedias sofisticadas, en una Nueva York de ricos, con importantes temas escondidos entre cócteles en bares de lujo. Laura es una escritora que probablemente ha llegado a su crisis de los 40. Tiene un bloqueo creativo, sus pequeñas hijas absorben su tiempo y cree tener indicios de que su esposo la traiciona. Ella –una adorable Rashida Jones de jeans y camiseta eternos– piensa que ya no es una mujer interesante. Sin quererlo demasiado, involucra en las sospechas a su divorciado padre, un millonario dandi mujeriego, quien la arrastra a una investigación detectivesca. En el proceso, mientras aconseja a su hija en crisis, él –siempre con un tono cautivador y pseudocientífico de Bill Murray– suelta continuas peroratas biológicas sobre la necesidad natural del macho por reproducirse con lo que tie
Sound of metal (2019)
“Estás teniendo un comportamiento de adicto”. Se lo dice Joe, director de una comunidad de sordos, a Ruben, un baterista de heavy metal que comenzó a perder rápidamente el oído. Se comprenden mutuamente porque ambos han pasado también por las drogas.
Soul (2020)
“A veces me siento como si fuera un niño que abre los ojos al mundo, ve cosas asombrosas cuyos nombres nunca conocerá y luego tiene que volver a cerrarlos”. Lo dice el personaje que está por morir de una novela de Marilynne Robinson, que casualmente estoy leyendo, pero se puede aplicar también a alguno de Soul. La última película de Disney-Pixar nos muestra a un pianista de jazz que por fin consigue tocar en la banda de sus sueños pero, justo antes de hacerlo, tiene un accidente que parece fatal. Sin embargo Joe, en su desesperación por no perderse ese concierto, logra no ir completamente al más-allá sino aferrarse a un estadio anterior. Allí conoce a “22”, otra alma que está en esa zona, que todavía no ha vivido pero que nunca ha estado interesada en habitar una pobre vida humana. Es decir: un personaje tiene una aparente motivación por vivir pero no puede hacerlo, mientras otro no quiere vivir pero podría hacerlo. Detrás de sus aventuras siempre late la pregunta: ¿por qué vivir? ¿Se
Hillbilly Elegy (2020)
Decir, con tono peyorativo, que Hillbilly Elegy –la película– es una aproximación al rudo votante de Trump, termina siendo un flaco favor para el sector demócrata. Porque la narrativa de un personaje del mundo rural que, con esfuerzo, consigue escapar de una espiral de violencia, maltrato y drogadicción, no expresa deseos irreales de una parte de la población. Más allá de esto, aunque cierta prensa nos haga percibir lo contrario, la política casi no aparece en la versión fílmica de Hillbilly Elegy (sin contar algún detalle sobre la situación del sistema de salud estadounidense). La política no es un tema. Si debemos reconocer un mérito al filme de Ron Howard es que, desde el punto de vista cinematográfico, no te miente. No quiere revestir de sutileza a un relato sencillo de superación personal. No nos evita ni las actuaciones estridentes, ni la música lacrimógena, ni los discursos explícitos sobre la necesidad de perdonar o sobre el valor de la familia. Tampoco nos evita las imágenes d
El juicio de los 7 de Chicago (2020)
Para defender a Sorkin, hay que decir que fue casualidad que su película sobre un enfrentamiento entre policías y civiles se estrenase durante un año lleno, como este, de enfrentamientos entre policías y civiles. Llevaba más de diez años en espera el proyecto sobre el juicio que siguió a unas protestas de 1968 en realidad. Pero la oportunidad con la que ahora aparece en Netflix será su gloria –“¡parece como si hablara de nosotros!”– y su perdición –“¡cómo se atreve a hablar así de nosotros!”–. Es obvio que se trata de un producto más que disfrutable: Sorkin es un mago de los tiempos, de la dosificación de la información, de convertir los diálogos en una banda sonora frenética. Vuelan las dos horas. Es un gran escritor absolutamente consciente de su capacidad de deificar, con las líneas justas, lo que tiene entre manos. Y ese mismo éxtasis con las palabras termina por amarrarlo a su mármol: esta vez a los injustamente enjuiciados de Chicago, especialmente al yippie Abbie Hoffman, interp